Búsqueda especifica

jueves, 20 de noviembre de 2014

Cesar Alvizo, observando la ciudad.

Vivimos en una sociedad llena de imágenes que nos bombardean constantemente, entre carteles publicitarios, edificios relucientes y señales de tránsito, caminamos sin siquiera observar lo que está a nuestro alrededor, a veces estamos tan acostumbrados a las imágenes que nos rodean que ni siquiera podemos recordarlas en detalle, solo sabemos que están allí; objetos pesados y llenos de polvo se convierten en grandes bloques inertes que se pierden en nuestro campo visual saturado; Cesar Alvizo retoma estos bloques y les devuelve su existencia, mostrándonos cada uno de sus detalles en un proceso de observación en el vacío.



El proceso artístico de Alvizo comienza través de la deriva, transita la ciudad de México buscando objetos que parecieran haber caído en el olvido, se toma su tiempo para recorrerlos y observarlos, luego los registra por medio de su cámara fotográfica y regresa a su estudio, trabaja en pequeño formato sin que esto signifique que los detalles de sus objetos se comprometan, mantiene cada peculiaridad de ellos como si de ello dependiera su vigencia, sellándolos en el tiempo para que nunca más puedan cambiar; desde puestos de periódicos y carros de feria, hasta neumáticos amontonados son representados en acuarela sobre un fondo blanco que nos permite observar cada detalle del objeto sin que el entorno pueda bloquearlo o interferir con nuestra observación.




La selección de los objetos que encarna Cesar Alvizo en sus obras son ruinas contemporáneas de una ciudad que desecha y abandona a su antojo los objetos que no ocupa justo en ese instante, mucho de su trabajo representa cosas completamente funcionales que sin embargo son empaquetadas o cerradas durante largos periodos, por lo que el tiempo y la intemperie los van desgastando, produciendo en ellos una estética de lo desgastado, de lo viejo y transitorio. 






Cesar Alvizo es originario del Distrito Federal, egresado de la Licenciatura de Artes Plásticas en “La Esmeralda”. En 2008 realiza cursos en la Academia de San Carlos UNAM, de Expresión y Experimentación Gráfico, Pictórica y en el taller de Fotografía Blanco y Negro; ha expuesto en diferentes ocasiones en la República Mexicana, actualmente la galería NUUN espacio de arte, en Oaxaca muestra algunas de sus piezas y se puede ver más de su obra enhttp://cesaralvizoberrios.weebly.com/






Texto publicado en Fantástico Cotidiano el 19 de noviembre del 2014.

miércoles, 19 de noviembre de 2014

Bea Camacho, el arte de recluirse en uno mismo.

La introspección es la capacidad de la mente de hacerse consciente de sus propios estados, en relación a las circunstancias presentes o las vivencias pasadas, esta capacidad puede ser desarrollada a través de la meditación, el aislamiento y técnicas psicológicas que buscan estados de tranquilidad y calma para después realizar la introspección retrospectiva; independientemente de nuestro estado mental actual todos podemos realizar esto para poder tener una vida plena y en paz. Muchos artistas han recurrido a estas técnicas para realizar sus obras, sin embargo Bea Camacho destaca debido a su referencia directa con el aislamiento y creación del ambiente donde un mismo desea desarrollarse.






Nuestro arquetipo de capullo está relacionado con el crecimiento y el cambio, se basa en nuestras observaciones de la naturaleza y sus formas, las orugas y las flores parecen recluirse en sí mismas antes de abrirse y despertar en formas nuevas y coloridas, de igual forma los recién nacidos mantienen su posición fetal durante los primeros días antes de comenzar a experimentar su entorno, Bea Camacho toma esta forma y decide hacer de sus vivencias pasadas y su propia introspección un acto artístico, en sus performance utiliza el ganchillo y realiza diferentes acciones como en el Centro de Arte de Kyoto , en la cual teje en espirales alrededor de ella misma desde la lente de una cámara hasta que se oscurece por completo en el cuadro de video.




El aislamiento es un concepto básico en su trabajo, originaria de Filipinas se traslada a los Estados Unidos desde los once años sin su familia, evento que la marca y define mucho de su trabajo artístico; en una de sus acciones se aísla por completo en un capullo rojo que ella misma teje durante once horas, en otra teje un sombrero rojo para cada uno de sus familiares en Filipinas, sin saber las medidas necesarias para cada uno de ellos usa su memoria para realizarlos y les coloca cuerdas a los costados que supondrían la altura de cada uno, posteriormente se los envía y se hace el registro fotográfico de todos ellos usando sus respectivos sombreros. 








Graduada de la Universidad de Harvard con honores en 2005, en Estudios visuales y ambientales, ha realizado diversas exposiciones individuales en Filipinas y colectivas en Francia, Singapur, Estados Unidos, Alemania, Londres y Hong Kong entre otros; para conocer más de su obra pueden visitar http://www.beacamacho.com/cv/



Texto publicado en Fantástico Cotidiano el 19 de noviembre del 2014.

sábado, 8 de noviembre de 2014

Construyendo espacios, un acercamiento a la obra de Claudia Luna

La Ciudad de México es una mancha urbana que alberga alrededor de 8’851,080 personas, según el censo de 2010 del INEGI, que necesitan servicios básicos como agua, comida, luz, transporte y por supuesto vivienda, por lo que esta mancha crese y se transforma continuamente, la construcción de nuevas vialidades, formas de transporte y edificios de condominios son usuales en este entorno, sin que necesariamente se logre abastecer de servicios a todas las personas, dentro de dicha dinámica es común encontrar casas en obra negra, a medio terminar y en incesante construcción; son estas casas donde muchas personas comparten espacios, entre abuelos, tíos o primos, y pasan las diferentes etapas de su vida formando una comunidad con su familia extendida, proporcionando una estética particular al entorno visual y social de esta ciudad; estética que es retomada por Claudia Luna y reinterpretada en un discurso grafico-pictórico que nos muestra que los procesos de construcción pueden referirse tanto a la arquitectura, como a la comunidad y al individuo, y también al proceso artístico.



Originaria del Distrito Federal, Claudia Luna estudia en la entonces Escuela Nacional de Artes Plásticas (ahora Facultad de Artes y Diseño), enfocando sus estudios en grabado y pintura. Pronto se interesa en lo precario de los materiales por lo que trabaja con láminas de metal oxidadas y cartón, creando una estética propia y bien definida en su trabajo, el cual es una exploración de su propio proceso artístico, que da saltos entre lo gráfico y lo pictórico; experimentando con el color y los materiales, comienza a emplear el cartón como base para sus obras y continua experimentando con él, variando los tamaños y uniendo pliegos de este material o rasgándolo; sobreponiendo cartones también logra crear un sentido de profundidad alrededor de sus piezas, estableciendo un juego compositivo desde la base, de igual forma retoma parte de su proceso creativo usando masking-tape para definir y estructurar sus bocetos permitiendo que éste sea parte importante del resultado final en sus últimos trabajos.





Para esta joven artista nacida en 1988, la construcción en sí misma es un trabajo que puede modificar el espacio y la materia, delimitar espacios para crear comunidad o impedirla, pero de igual forma puede establecer nuevas formas de conducta, así como se pueden construir espacios, se puede instruir individuos: educar podría ser la forma más básica de construcción, pero la edificación de un individuo no termina jamás, uno se “levanta” a si mismo desde una base y define de a poco qué clase de construcción desea ser, influido por el entorno y por la misma comunidad.





Claudia Luna cuenta con diferentes exposiciones colectivas y una individual, fue seleccionada en el Encuentro Nacional de Arte Joven en el 2012 y en la Bienal de pintura Pedro Coronel el mismo año, acreedora a una beca del FONCA en la especialidad de pintura en la selección del 2013, durante este noviembre expone una de sus obras en la galería de ATE, en topacio 25 del centro histórico, para revisar más de su obra pueden visitar http://marmotaclaus.tumblr.com/






Texto publicado en Fantástico Cotidiano el 08 de noviembre de 2014.

martes, 4 de noviembre de 2014

Rebekah Bogard y la vida creada a conciencia.

Según las teorías evolutivas, todas las especies, incluyendo el ser humano, generaron sus características físicas en función de sus necesidades de supervivencia, según algunos teóricos incluso las cualidades que representan vulnerabilidad y ternura en los bebés y niños son el resultado de la necesidad de crear en los miembros de la manada la necesidad de cuidarlos y protegerlos hasta que son adultos; mentones pequeños, mejillas rosadas, ojos grandes y cuerpos pequeños son algunas de estas características, sin embargo todas ellas también son estereotipos de femineidad y belleza. 






Para Rebekah Bogard estos estereotipos de vulnerabilidad deben ser re contextualizados como elementos de poder, con toda la carga sexual que ello conllevaría; por lo que su obra artística está plagada de la iconografía femenina como flores, mariposas, colores pastel y cuerpos redondeados y sensuales, todo ello dentro de instalaciones conformadas de varias piezas de cerámica que resultan ambiguas y representan relaciones de poder donde los seres aparentemente vulnerables son los que deben poseer mayor resistencia en un vínculo donde serán ellos quienes afronten las consecuencias de aceptar esa dinámica. 






Piezas como “Crush” del 2010 implican llenar de agua la galería y representan un ambiente lleno de tención, ya que paredes falsas y una puerta cerrada le da un aura de misterio, al mismo tiempo que varios de sus personajes centinelas observan inquisitivamente a quien se aventura a pasar.






Aunque a simple vista sus obras parezcan inocentes y de un encanto particular, sus animales ficticios provocan cierta incomodidad, un pequeño punto en nuestra mente nos hace pensar que algo está fuera de lugar, sus características de pronto parecen opacadas por un gesto o actitud despreocupada o desafiante, ya que Bogard desarrolla sus obras como elementos en una narración con múltiples interpretaciones, las cuales, el espectador debe encontrar.








Rebekah Bogard es profesora de cerámica en la Universidad de Nevada en Reno y ha expuesto en múltiples ocasiones dentro de Estados Unidos, para revisar el proceso completo de la creación de sus piezas o ver más de su obra pueden entrar a http://www.rebekahbogard.com/index.htm












Texto publicado en Fantástico Cotidiano el 03 de noviembre del 2014.

viernes, 24 de octubre de 2014

Diana Beltrán Herrera y sus aves de papel.

Si alguna vez tuvieron por un momento a un ave pequeña entre sus manos, tal vez recuerden la sensación de calor y fragilidad que sus pequeños cuerpos transmiten; para los amantes de los animales, los delgados y pequeños huesos que le dan estructura y sus suaves plumas las hacen un compendio perfecto de elementos que generan delicadeza y simpatía, uno se pregunta ¿cómo es que un cuerpo tan endeble sea tan resistente? Es por esto que tal vez no exista mejor material que el papel para representar estas extraordinarias estructuras vivientes y Diana Beltrán lo sabe.






Al graduarse de Diseño Industrial, esta artista está familiarizada con las estructuras funcionales de los objetos y la relación de cada elemento con el todo como un conjunto coherente, es por esto que para comprender la naturaleza Diana Beltrán optó por estudiar a detalle los elementos que componen cada ave, de esta manera cada una de sus esculturas de papel está realizada desde un estudio de fotografías y dibujos que le muestran los movimientos más característicos de cada especie, posteriormente realiza una estructura base en papel que le dará el soporte necesario a las plumas, que son cortadas a mano una por una y colocadas justo como crecerían en el cuerpo de una ave real, esto le da el volumen y el realismo a sus piezas y por ultimo coloca el pico, las garras y los ojos formando un sistema complejo de elementos que constituyen un todo.






Para Diana Beltrán, el hombre se ha distanciado de la naturaleza eliminando, olvidando y alterando los elementos de la naturaleza que deberían rodearnos y sernos familiares; su obra pretende ser una resistencia inalterable a esta dinámica, donde los elementos permanezcan intactos ante el hombre para poder ser apreciados, es por esto que las primeras esculturas que realiza son de especies endémicas de Bogotá, lugar donde ella residía, descubriendo que la ciudad estaba llena de vida, lo cual nunca antes había observado gracias a los grandes edificios y el ruido del tráfico, por lo que comienza a buscarlas en sus hábitats naturales para observarlas y estudiarlas en detalle.






Esta serie realizada desde 2012 la ha llevado a exponer tanto en su país Colombia como en Europa, Asia y Norte América, y aunque ella misma acepta que su trabajo no es nuevo en relación a que sólo representa algo que ya está allí también desea que genere un impacto y un modelo de conducta, para que más personas se interesen en descubrir la naturaleza que les rodea, siendo nosotros mismos parte de un sistema que se relaciona y respeta.






Para ver más de su trabajo pueden ingresar a http://www.dianabeltranherrera.com/



domingo, 21 de septiembre de 2014

Metal hecho delicadeza en la obra de Cal Lane.



Durante mucho tiempo el arte trató de engañar a la vista de su espectador, haciendo que los objetos representados fueran cada vez más realistas y emulaba texturas y formas de todo tipo, logrando que los diferentes materiales como el óleo, la madera, el yeso o el mármol aparentara ser algo que no era; sin embargo existe otro juego de apariencias dentro del arte, donde se pretende que el espectador vea la contradicción de los materiales representando justo su opuesto, este juego es aun mas provocador y puede llevar a una reflexión más profunda.






Cal Lane toma un material pesado, de uso rudo y a veces áspero y lo manipula y transforma en bellos lienzos de encaje, sin embargo no oculta su procedencia sino que la mantiene evidente, así es como palas de metal, carretas de trabajo, carrocerías de autos viejos y chocados, vigas de metal y barriles oxidados se trasforman en frágiles y sutiles patrones. Es interesante el choque que esto crea en nuestra forma de ver las cosas, el encaje es un material usado tanto como adorno y velo que permite ocultar y entrever al mismo tiempo, tal vez sea por ello que lo encontramos tanto en los vestidos de las virginales novias como en provocadora lencería femenina; por otro lado, gracias a la consistencia sólida del metal, se le ha asociado al trabajo pesado, el uso rudo y la contención de elementos corrosivos o peligrosos; esta contradicción en el trabajo de Lane muestra como es que estamos acostumbrados a definir y encasillar nuestro entorno en posturas rígidas y absurdas: nacionalismo extremo, racismo, machismo, etc.







Su obra fue desarrollándose bajo esta dinámica, sin embargo en 2007 decide tornar mas político su trabajo con la obra “Fligree Car Bombing” donde presenta el encaje realizado con la carrocería de un auto destrozado en un choque, contrapone la clara violencia del suceso y la belleza del encaje de flores recreado en él, atrayendo al espectador a una imagen horrible que es interrumpida brevemente por sutileza del encaje. Ese mismo año interviene barriles oxidados para su serie “Crude” con encajes que hacen alusión tanto a imágenes sagradas e íconos cristianos, como a símbolos de peligro; sin alusiones claras a una postura fija, mantiene la interrogante en el espectador.






Cal Lane nace en Nueva Escocia en 1968, crece en la isla de Vancouver, Canadá y antes de dedicarse por entero al arte, trabajó como estilista en el salón de belleza de su madre, en 1992 estudia un diplomado en Victoria College of Art, Victoria, British Columbia y aprende a soldar en 1996, trabaja reparando barcos y reforzando estanterías de grandes almacenes hasta que en 2001 completa sus estudios en escultura; ha expuesto en Australia, Francia y gran parte de Estados Unidos, para ver mas de su obra pueden ingresar su pagina oficial http://www.callane.com





















Texto publicado en http://fantasticocotidiano.com/cal-lane/ EN SEPTIEMBRE DEL 2014.