Cornelia Konrands y la naturaleza suspendida.

La levedad es una sensación etérea y serena, propia de cosas suaves y ligeras, evoca tranquilidad y se experimenta en momentos de relajación y meditación. Muchas personas gustan de contemplar paisajes naturales desolados o en completa calma por que dan la impresión de llevarte a este estado mental; pero en su trabajo artístico Cornelia Konrands da un paso adelante de la mera contemplación e interviene estos paisajes para brindarnos una imagen más clara de esta sensación, a través de hilos de nailon que mantienen en suspensión elementos que de otra forma caerían abruptamente al piso, engaña a nuestros sentidos para mostrarnos un momento en el tiempo donde todo se ha detenido mientras pequeñas piedras o ramas de árboles se elevan del piso hacia el cielo.

Mientras que algunas de sus piezas solo evocan la posibilidad de ingravidez, algunas otras representan puertas, caminos o incluso íconos usados en oraciones budistas. El retorno del hombre a la naturaleza y su entorno puede ser la principal motivación de esta artista Alemana, que no solo trabaja con el Land Art sino que también realiza libros de artista y arte objeto. Actualmente ha sido aceptada en un programa de residencias artísticas en Japón para realizar una de sus obras allí; para ver más de su trabajo pueden ingresar a su página oficial http://www.cokonrads.de/

Texto publicado en http://fantasticocotidiano.com/cornelia-konrands/ en septiembre del 2014.

Greg "Craola" Simkins, arte urbano y pintura de caballete.

Cada individuo es un compendio de gustos y recuerdos recabados a lo largo de su vida, toda nuestra infancia fuimos expuestos a películas, caricaturas y juguetes que nuestros padres consideraban apropiados, conforme pasaron los años elegimos y apartamos aquellas cosas que realmente nos agradaban de las que no, sin embargo muchos de estos recuerdos de infancia están llenos de fantasía que sólo es elocuente dentro de la caricatura correspondiente; ratones que hablan, brujas y princesas, animales antropomorfos y muchas otras cosas más, que como adultos reconocemos como irreales pero que de niños considerábamos completamente normales. Craola retoma estas imágenes de su infancia, las modifica o manipula para hacerlas interactuar en un mundo creado por él mismo, donde los personajes pueden ser esponjosos y oscuros al mismo tiempo.

En su serie “Outside”, realizada en acrílico en formato pequeño, podemos encontrar referencia a Disney, Narnia, El país de las maravillas, La Tierra Media y Neverland, homenajeándolos y recreándolos para hacer alusión a ese universo que sólo es posible al escapar del mundo real, un mundo que los adultos ya no pueden ver, sin embargo todos estos elementos conviven en una naturaleza desbordante, entre flores, nieve, árboles y entradas de sol radiantes; soñar despierto parece una obsesión para este joven artista que desarrolla su obra en base a su imaginación hiperactiva, que lo inspira a buscar mas allá de los límites de la normalidad la belleza de caer por la “madriguera del conejo”.

Por otro lado su trabajo con el aerosol es igual de impresionante, cambiando las dimensiones de su trabajo a bardas y traspatios enteros, muestra un mundo de caricaturas vivientes que parecieran hacer de su mundo lo que igual pueden ser sádicos o divertidos. Greg Simkins nació en 1975, comenzó a dibujar desde muy pequeño inspirado por dibujos animados y a los dieciocho años comenzó a realizar graffitis tomando el nombre de CRAOLA; se gradua en 1999 de la universidad estatal de California y trabaja como ilustrador de varias empresas de ropa, así como en varios videojuegos, pintando solo en sus ratos libres hasta 2005, año en el que decide pintar de tiempo completo, teniendo éxito en exposiciones tanto colectivas como individuales. Sus obras has traspasado el caballete y se han incorporado a varios artículos, desde ropa hasta videojuegos y juguetes, colaborando con Disney, Mattel, Upper Playground, Juxtapoz, Todo por un sueño, Vans, Converse, AFI, Saosin, Gym Class Heroes, Pennywise, STRANGEco, Ningyoushi, Kid Robot, Zero Friends, Epitaph, Dark Horse, Iron Fist y Pulse Internacional.

Para ver mas de su obra pueden visitar su pagina oficial http://www.imscared.com/

Texto publicado en http://fantasticocotidiano.com/greg-craola-simkins-arte-urbano-y-pintura-de-caballete/ el 12 de septiembre del 2014

Cassandra de Santiago; Diluyendo el cuerpo.

El arte nos permite expresar de muchas maneras diferentes emociones, nuestro humor puede verse afectado al contemplar una pieza que nos interesa o puede llegar a recordarnos algún estado de ánimo en particular sin saber exactamente por qué, y esto es por que muchas de estas piezas provienen de la vida diaria, remiten o representan momentos que todo individuo ha experimentado o sabe que experimentará algún día; por ejemplo, todos nosotros tenemos una actividad común que nos produce una sensación de bienestar: tomarse un café, estirarse al despertar, meterse en la cama con las sábanas recién cambiadas, sentir el sol en el rostro una mañana fría o hundir una mano en un costal de arroz o frijol y por supuesto, tomar un baño caliente después de un largo día: pareciera que el agua tiene el extraño poder de llevarse todo nuestro pesar, como si el cansancio y la angustia se diluyera en ella mientras recorre nuestro cuerpo, que en ese momento de desnudez pareciera aún mas frágil y ligero; esta sensación tan conocida es tomada por Cassandra de Santiago para realizar su obra pictórica.

Con piezas como “Get Clean I” y “Get Clean II” Cassandra nos permite recordar lo purificador del agua y remite sensaciones que conocemos muy bien, allí es donde radica la belleza de sus cuadros ya que mas allá de la innegable destreza y virtuosismo que se puede apreciar en sus obras, esta joven pintora de 28 años logra uno de los objetivos de toda pieza artística: conectarse con su publico; es por esto que ha logrado destacar en diferentes bienales de arte nacionales y expuesto sus obras en Yucatán, Querétaro, Guanajuato, Michoacán, Zacatecas y la Ciudad de México.

Actualmente presenta su obra en la Ciudad de México de forma colectiva en Casa Frissac bajo la muestra “Figuraciones 17. Tres generaciones de pintura contemporánea”.

Su obra puede ser adquirida en el portal de PLATAFORMA , una asociación que promueve la educación cultural http://plataforma.org.mx/site/cassandra-de-santiago/y se puede revisar su portafolio en línea a través del siguiente link http://quimostudio.webcindario.com/

Una mirada cercana y el talento de Artemio Rodríguez.

Nuestro país tiene una gran tradición de grabadores, José Guadalupe Posada es quizá el más conocido de todos ellos, por ser a quien se le atribuye la figura de La Catrina como la conocemos hoy día, haciendo de la representación de esqueletos en escenas cotidianas un referente importante en el grabado mexicano. Otros artistas como Leopoldo Méndez continuaron y enriquecieron esta tradición, sus propios intereses los motivaron a realizar piezas cercanas al activismo político, e incluso se llegó a fundar el taller de Gráfica popular en 1937; la actividad de dicho taller sigue hasta nuestros días sin embargo ha perdido escena en la producción del grabado actualmente, pese a esto, muchos otros talleres siguen promoviendo el arte del grabado en México y artistas como Artemio Rodríguez continúan destacando por su calidad y demostrando que a pesar de que ésta técnica se ha desarrollado en México desde 1826, es una técnica fundamental del arte contemporáneo.

Artemio Rodríguez ha trabajado el grabado tanto en metal como linóleo y madera, sin embargo sus obras más representativas están elaboradas en linóleo, éstas placas son blandas y hasta cierto punto flexibles a diferencia del metal o la madera, el trabajo en ellas puede ser más delicado y no permite errores; el dibujo realizado con la gubia, pequeña navaja en forma de cuña que marca el material, será visto en la impresión final como los blancos o luces de la imagen, y todo lo que se deje sin marcar permanecerá en negros, es por esto que para crear otros tonos y profundidades se requiere de un patrón de lineas consecutivas que de volumen y textura a los objetos representados. 

En el caso de Artemio, las imágenes representadas hacen alusión al México contemporáneo y sus problemáticas sociales; cercano a la migración, ya que él mismo migró a la edad de 21 años hacia nuestro vecino del norte, retoma su propia experiencia y la incorpora a una visión propia del juego de la lotería: “el mojado, la tristeza, la migra, el fumador, la prensa y el mal gobierno” pasan a formar parte de los nombres que se deben completar para poder ganar; su peculiar estilo es provocador y honesto y con títulos como “Payasos Piden a La Virgen Alto a La Maldita Crisis" de 2013 o “Hipocresía al derredor” de 2004 a logrado captar la atención de especialistas tanto nacionales como extranjeros siendo reconocido con exhibiciones en el Hammer Museum, Los Angeles County Museum of Art, Seattle Art Museum, San Diego Museum of Art, Phoenix Art Museum, Seatle Art Museum y Boise Art Museum, entre otros.

Originario de Tacámbaro, Michoacán, Artemio comenzó su aprendizaje en el grabado a la edad de diecisiete años mientras trabajaba como aprendiz de impresor en el Taller Martín Pescador de Juan Pascoe; durante su estadía en Los Ángeles, California, trabaja pintando casas mientras empieza a vender su obra y eventualmente logra dedicarse de tiempo completo a la creación artística. Con el tiempo regresa a Michoacán donde funda su taller de grabado en una comunidad cercana a Tacámbaro. Actualmente cuenta con varias publicaciones impresas que se pueden adquirir en su pagina oficial http://artemiorodriguez.net/store.html desde tan solo $30 pesos, además sus obras están a la venta en la galería Davidson de Seatle en el siguiente link: 

http://www.davidsongalleries.com/artists/rodriguez/rodriguez.php

La belleza de los patrones en la obra de Julie Chang

Nuestro entorno está lleno de elementos que se repiten una y otra vez creando cadenas de patrones, el hombre aprendió a ver en la naturaleza estos patrones y aprendió que esta sucesión de elementos puede darle funcionalidad y belleza a una estructura arquitectónica o facilitar la producción en masa de textiles y otros objetos. Pero la procedencia de estos elementos o imágenes puede provenir de la identidad cultural de otros países que apenas y conocemos, por ejemplo: la elaboración de los intrincados tapetes persas y su peculiar estética proviene del siglo V a.C. y era destinada a príncipes y nobles; los azulejos mudéjar de la península Ibérica son el resultado de la cultura cristiana y el islam; el papel tapiz europeo es una idea prestada de China, que elaboraba marcos de papel arroz entre habitaciones desde el 200 a.C., pero fue Jean Papillon, grabador francés, quien comienza a elaborarlos con patrones continuos como los conocemos el día de hoy.

Los estampados que reconocemos actualmente como decoraciones y adornos en ropa, cortinas, alfombras, papel de envoltura y tarjetas para regalos , fueron en su momento símbolos de pertenencia o estatus; elementos que marcaban la identidad de una región o una etnia pero que a través de los años y gracias a el intercambio comercial, las nuevas rutas de navegación, la migración y la mercantilización de la cultura se fueron perdiendo. Julie Chang se apropia de esta integración de imágenes y toma de las más divergentes fuentes los elementos para crear sus obras.

El trabajo de Julie Chang superpone íconos y patrones de una variedad de culturas y personas que conviven hoy en día en San Francisco, lugar donde radica actualmente, por lo que se pueden encontrar en sus piezas anillos circulares en forma de flores de un sari indio, nubes borrascosas inspiradas en el bordado chino, crestas japonesas, diamantes y trenzados que remiten a textiles africanos y cerámica griega, y estrellas y motivos cruzados de azulejos islámicos; ha trabajado formatos que aluden al tapiz europeo y colaborado en el Art Poster Market Street de San Francisco, incluso se le comisionó en el 2013 para diseñar el suelo de terrazo del primer piso del Curtiss Hall, lugar donde se encuentra la escuela de agricultura y el departamento de antropología de la Universidad Estatal de Iowa.

Al mismo tiempo que muestra la multiculturalidad del mundo actual Chang hace una introspección y ofrece una visión propia de los nuevos símbolos de identidad ya que como ella misma menciona "El arte es transformador. Se renueva y cambia el espectador, el oyente, el participante. Revela la verdad acerca de la experiencia humana, que de otro modo podrían pasarse por alto o se oculta. También nos ayuda a imaginar las posibilidades de nuestro futuro y recordar los recuerdos de nuestro pasado".

Para ver mas de su obra pueden ingresar a su pagina oficial: http://juliewchang.com/

Texto publicado por FantásticoCotidiano el 04 de agosto del 2014.

La ciencia de la vida, la obra de Silvia Andrade.

La separación entre las áreas de conocimiento es ampliamente aceptada y promovida por universidades y catedráticos, las ciencias exactas y las humanidades se rechazan una a la otra frecuentemente, sin embargo así no es como funciona la mente humana; un individuo interesado en el arte puede tener la disposición de aprender química orgánica así como un ingeniero o matemático puede disfrutar de una obra pitagórica o musical. Los intereses tan diversos del ser humano han logrado una gran cantidad de logros combinando ambas áreas del conocimiento, por lo que no es de extrañar que cada vez más artistas contemporáneos no se formen en la Academia de Artes sino que llegaran a ella a través de otros ámbitos; tal es el caso de Silvia Andrade.

Proveniente de Yucatan, realiza sus estudios en Ingeniería Química, especializándose en microscopia electrónica de barrido, con lo cual comienza su interés por la fotografía, en el 2004 decide cursar talleres de fotografía y arte a la par que continua su especialización; la interesante combinacion de ambas disciplinas la lleva a publicar una serie de fotografías microscópicas en la revista National Geographic, en las ediciones de Latinoamérica (2011) y España (2012), logra el Premio Nacional de Fotografía Científica CONACYT en el 2009 y el Premio Extraordinario FOTCIENCIA en el 2011, así mismo dentro del arte contemporáneo se ha ganado el reconocimiento de los críticos y especialistas presentando sus obras en importantes bienales como la VII de Berlin, la de Puebla de los Ángeles, Arte FEMSA en Monterrey, Mirada de Tijuana y la de Yucatan.

Su serie "Nada nos detendrá" realizada en el 2009 a partir de imágenes tomadas en Cuba, muestra fotografías compuestas con los objetos comunes que contienen y al mismo tiempo rodean una comunidad, las latas de sardina como alimento ordinario en un pueblo que vive su cotidianeidad bajo la sombra de la libertad prometida; calles y balcones llenos de historia, donde el tiempo se detuvo pero los habitantes siguieron creciendo y envejeciendo; la metáfora se concreta al presentar las piezas en cajas de luz que aparentan ser grandes latas de sardina de 60 x 90 cm, generando coherencia y poesía en toda la pieza; no existe una narración tal cual sin embargo nos hace pensar en el transcurrir del día a día y los lugares donde sucede.

Parte de la obra de Silvia Andrade se presentará hasta el 31 de julio en la colonia Juárez en la calle de Havre número 64, como parte de la exposición colectiva que ofrece ArtRoomTalent en su más resiente edición, en ésta ocasion no sólo podrán ver de cerca tres piezas de esta artista sino que también podrán adquirir alguna de ellas, así como de otros artistas contemporáneos, con precios que van desde los 6,500 pesos hasta los 19,500. Para ver las obras disponibles o ponerse en contacto con ArtRoomTalent pueden ingresar a http://artroomtalent.com/artista/silvia-andrade/

Texto publicado por Gallery Crashes el 25 de julio de 2014.