Guardapelo de Abel Zavala.

La belleza puede encontrarse en los objetos más comunes o en los materiales menos imaginados, la interpretación y manipulación de estos puede crear obras de arte y abrir paso al juego de los sentidos, mostrándonos la belleza oculta de aquello que pasaba inadvertido en lo cotidiano.

Recientemente la galería Andrea Pozzo de la Ibero en la ciudad de México presentó una serie de esculturas que invitaban al espectador a realizar este descubrimiento estético; la muestra Guardapelo de Abel Zavala fue compuesta por formas orgánicas y suaves construidas a partir de estructuras textiles bordadas o intervenidas con pelo de perro, gato y caballo, y lana de borrego y alpaca; una extraña combinación que apela a las sensaciones y no solo a la vista, donde la experiencia previa del espectador con animales puede ejercer una profunda influencia en el disfrute o no de la obra.

Las piezas creadas a partir del 2009 dejan ver la delicadeza y habilidad del trabajo artesanal que requirieron, su manufactura es apenas perceptible, creando una estética minimalista resultado del trabajo pulcro y bien cuidado del artista.

Abel Zavala es originario de Xalapa, Veracruz y estudio Artes Plásticas en la Universidad Veracruzana, ha expuesto tanto en México como en el extranjero y obtuvo la beca del FONCA para la realización de esta serie; su obra comprende tanto pintura como cerámica y para ver más de su trabajo pueden entrar a su blog personal http://abelzavala.blogspot.mx/

La creación según Ricardo Solís.

En el principio era el creador y al creador nunca le importo si lo llamaban artista o ilustrador; actualmente existen muchas formas de creación y todas ellas requieren una visión única y personal del mundo, es esta mirada la que da lugar a piezas como la de Ricardo Solís, donde la observación de la naturaleza y sus detalles crearon en el artista una concepción de la creación de ésta.

Con una sorprendente habilidad Solís nos muestra animales conocidos por todos nosotros siendo esculpidos o pintados usando patrones de números, pequeñas sombras de humanos colocan de a poco las capas de pintura sobre diseños vivos o mueven con globos aerostáticos y carretillas los bloques de piel o escamas que le corresponden a cada animal, su simpática visión de la naturaleza le hace un guiño a la postura creacionista con la que el artista coincide, demostrando que una buena obra siempre será el resultado de un artista comprometido y honesto consigo mismo.

Ricardo Solís reside en Guadalajara junto con su familia, ciudad donde nació, estudio y actualmente trabaja; para ver más de su trabajo, como su serie de retratos pueden entrar a https://www.behance.net/artesolis

O si quieres comprar una impresión de alguna de sus obras está disponible el sitio http://www.ricardosolisart.com/

Las chicas Pin-up de Natalia Fabia

La irreverencia y sexualidad están a flor de piel en la obra pictórica de Natalia Fabia, quien se inspira en el burlesque y las imágenes de chicas pin-up y que a pesar de que la trayectoria de la pintora se compone por alrededor de diez series, todas ellas engloban un mundo de chicas sexis, tatuajes y música punk, donde las escenas interiores y los juegos de luz desempeñan un papel importante en cada pieza.

De padres polacos pero criada en el sur de California, estudia en el Art College of Design en Pasadena, desarrollando su obra pictórica a la par que su gusto por la joyería y la moda, por lo que una inspira a la otra y viceversa.

La visión personal de Fabia crea una mezcla “Fancy” entre un mundo de fantasía lleno de color y brillo y la vida de chicas alocadas pasando un buen rato; envueltas en luces neón de algún bar del sur de California o en paisajes naturales con una pizca de ficción, los personajes de sus obras pavonean su libertad sexual con particulares atuendos y colores chillantes.

En palabras de la misma artista “la palabra puta me sonaba sexi y muy provocativa”, el burlesque y las pin-up siempre le fascinaron y al buscar en un diccionario el termino encontró esto: “Una prostituta es alguien que vende su talento y sus habilidades”… por lo que para ella “todo el mundo es una puta! Especialmente los artistas! Finalmente el término “puta” ha desarrollado un significado enérgico, independiente, talentoso, de nena caliente para mi… Y soy afortunada porque todos mis amigos están felices de ser putas picantes y eso es lo que yo pinto.”

Si quieres ver más de las “putas picantes” de Natalia Fabia, puedes entra a su sitio oficial http://www.nataliafabia.com/galleries.php o seguirla en Instagram como nataliafabia y no solo ver un poco del proceso de sus obras sino su activa vida social y familiar.

Articulo publicado en Fantástico Cotidiano el 19 de mayo de 2014

Exquisitos pepenadores de Sergio Garval.

Siempre existe algo de atrayente en los despojos, de alguna u otra forma el morbo o la curiosidad nos arroja a la detenida observación de una persona en situación de calle, de los desvalidos o inválidos, las fotografías en revistas de chismes con personajes famosos en sus peores momentos siempre venden más que aquellas donde aparecen felices y prolijos; Sergio Garval se vale de esta fascinación para mostrarnos que el consumo de lo superfluo, o la acumulación de lo innecesario, también es una forma de fractura del hombre; buscar obsesivamente un objeto o mantenerlo cerca está más ligado a estados mentales de abandono que de pertenencia.

De esta forma es adecuado que la apariencia física de sus personajes muestre una piel desgastada, pálida y raspada por el pincel; sus posturas pesadas y ansiosas concuerdan con rostros confundidos o temerosos. Para estos pepenadores el mundo se resquebraja bajo sus pies desnudos en forma de pilas de colchones viejos o muñecos y juguetes olvidados, no existe algo más allá de sus obsesiones o sus anhelos, cualesquiera que estos sean; porque esa es la forma en la que ellos entienden el mundo, al fin y al cabo cada individuo interpreta al mundo a través de sus propias obsesiones.

Sergio Garval nace en Guadalajara Jalisco en 1968, estudio pintura en la Escuela de Artes Plásticas de la Universidad de Guadalajara y ha sido galardonado en diferentes bienales tanto de grafica como de pintura. Para ver más de sus obras, pueden entrar a http://www.sergiogarval.com/exq.html

Texto publicado por Fantástico Cotidiano el 22 de abril de 2014.

Ricky Allman, arquitectura apocalíptica.

Geometrías que se desdoblan en el espacio y volúmenes acumulados que no parecen tener relación con objetos reales plagan los lienzos de este artista criado en una familia mormona en Utah; influenciado por la ciudad de Boston, lugar donde radica desde los 25 años, los grandes edificios y las estructuras creadas por el hombre le parecen inestables y poco seguros, produciéndole la sensación de que podrían caérsele en sima en cualquier momento, lo cual le remite al apocalipsis bíblico del que tanto escucho en su infancia.

Sus obras que pueden llegar a medir 2 metros y medio por casi 4 de largo muestran volúmenes geométricos que consiguen llegar a la abstracción total y sin embargo dan la sensación de espacios arquitectónicos ya sean interiores o exteriores; de igual forma, las montañas de Utah se presentan como un referente importante en algunas de sus piezas, contraponiendo las formas sólidas y naturales con los flotantes volúmenes manipulados de su arquitectura abstracta.  

Desde 2005 a la fecha se puede ver en el desarrollo de sus obras cada vez más fluidez, una dinámica interna en cada pieza que involucra cada elemento con el todo y un interés cada vez mayor por denotar la textura de la ciudad en sus abstracciones; actualmente el concreto, el acero y el vidrio pueden diferenciarse claramente del resto de los volúmenes en caos aparente que inserta en sus pinturas, la profundidad representada en sus obras las acerca al paisaje y sin embargo su estructura única hace de las complejas composiciones universos únicos que siguen sus propias leyes.

Para ver el desarrollo de Ricky Allman a través de los años o solo para conocer más de su obra pueden entrar a http://www.rickyallman.com/maingallery.html

Texto publicado por Fantástico Cotidiano el 22 de abril de 2014.

El arte analítico de Rafael Arnujo.

El estudio de la vida a través de las matemáticas. 

El ser humano se esfuerza desde su nacimiento por entender el espacio; las distancias y las formas son apenas comprensibles para un bebé, sin embargo a medida que vamos creciendo nuestra capacidad de percibir no solo el espacio si no también el movimiento se perfecciona más y más hasta que tenemos un perfecto control de nuestro cuerpo en el mundo; y a través de la historia nuestra naturaleza nos ha impulsado a desarrollar formas cada vez más complejas de entender y explicar el espacio, las formas y la manera en la que se relacionan, a partir de la descripción de la perspectiva por Euclides hasta los modelados 3D por computadora, la geometría analítica y proyectiva ha desempeñado múltiples funciones, como la creación de mobiliario y espacios habitables e incluso la realización de películas animadas y efectos especiales, pero todas ellas persiguen una propósito en común: la representación exacta de un objeto en el espacio.

Rafael Arnujo lleva la geometría proyectiva y analítica al estudio de seres orgánicos y el registro de sus movimientos, con lo que acerca las ciencias exactas al arte; ya desde el renacimiento los artistas se interesaron en aplicar la imagen en perspectiva sobre el plano para darle la sensación de espacio a sus obras. Fue Filippo Brunelleschi el primero en teorizar la perspectiva cónica y en adelante los artistas se esforzaron cada vez más en perfeccionar técnicas y métodos para representar la naturaleza, como Leonardo da Vinci que concentra sus estudios de ingeniería, anatomía y medicina en el dibujo meticulosos tanto del cuerpo humano como de la fisonomía de las aves. Arnujo retoma el estudio científico a través del arte y nos presenta una serie de obras a la que llamo Calculation donde describe a través de la geometría proyectiva y por medio de medios tradicionales, la estructura de una caracola, el vuelo de las mariposas y la proyección de su sombra.

Este artista nacido en Venezuela en 1957, estudia arquitectura para posteriormente dar clases de geometría descriptiva y dibujo analítico sin embargo a partir de 1984 su interés en el arte lo lleva a la presentación de sus piezas en diferentes bienales y concursos, actualmente pueden revisar su producción completa, que incluye pintura abstracta y paisaje, en la siguiente página http://www.rafael-araujo.com/index_ing.html

Texto publicado por FantásticoCotidiano el 22 de abril de 2014.

Yoko Ono en Bilbao

La artista japonesa de ahora 81 años presenta una retrospectiva en la ciudad española con 200 de sus piezas más emblemáticas, misma que ya había sido expuesta en Alemania y Noruega; en esta ocasión presentó tres performance el día 13 de marzo previo a la inauguración: Sky Piece to Jesus Christ, (Pieza de cielo para Jesucristo) donde una orquesta de cámara ejecuta una sinfonía, mientras unos voluntarios del publico envuelven a los músicos con unas vendas hasta que no pudiesen seguir tocando; Action Painting (Pintura de acción) que fue modificado de la versión original para este recinto, donde la artista representa en caligrafía japonesa con tinta sumi siete felicidades y ocho tesoros en varios lienzos de dos por un metro; y Promise Piece (Pieza promesa), que fue ejecutada por primer vez en 1966 al comienzo de su carrera, en esta, Ono rompía un jarrón en el escenario, pidiéndole al público que tomara los trozos, prometiendo volver a reunirse diez años después para reconstruirlo de nuevo, que en esta ocasión fue realizada con dos jarrones, uno de ellos fue roto y el otro permanecerá intacto como referencia para la restauración del primero.

Este último performance me parece peculiarmente ilustrativo para explicar mucho de su obra fuertemente caracterizada por sus “Instrucciones” dadas al público, estando ella presente o no, ya que muchas de estas instrucciones eran dadas en poemas escritos en las mismas paredes de las galerías o en pequeños trozos de papel, haciéndolo no sólo participe de la obra sino generador y ejecutante. Muchas de estas instrucciones más que un acto, requerían de la imaginación del participante, solicitándole que viera, escuchara o sintiera en su cabeza alguna situación u objeto ficticio, de esta forma la artista cedía el lugar de creadora para tomar el de catalizadora de las obras.

Sin la participación del público presente no podrían ser ejecutadas piezas como éstas, ya que su propósito primordial es la interacción del público con ellas, el resultado final puede no ser el deseado por la artista, al fin de cuentas ella solo tiene la esperanza de una promesa por parte del participante de que el jarrón será restaurado dentro de diez años, después de ceder los trozos de cerámica Yoko Ono pierde por completo el control de su obra, ya que ni siquiera puede estar segura de que siga viva para cuando esto ocurra, sin embargo la función del arte es esa, permitir la interpretación de la obra por parte de su público, independientemente de si está su creador allí o no, para poder explicarla.