La belleza de los patrones en la obra de Julie Chang

Nuestro entorno está lleno de elementos que se repiten una y otra vez creando cadenas de patrones, el hombre aprendió a ver en la naturaleza estos patrones y aprendió que esta sucesión de elementos puede darle funcionalidad y belleza a una estructura arquitectónica o facilitar la producción en masa de textiles y otros objetos. Pero la procedencia de estos elementos o imágenes puede provenir de la identidad cultural de otros países que apenas y conocemos, por ejemplo: la elaboración de los intrincados tapetes persas y su peculiar estética proviene del siglo V a.C. y era destinada a príncipes y nobles; los azulejos mudéjar de la península Ibérica son el resultado de la cultura cristiana y el islam; el papel tapiz europeo es una idea prestada de China, que elaboraba marcos de papel arroz entre habitaciones desde el 200 a.C., pero fue Jean Papillon, grabador francés, quien comienza a elaborarlos con patrones continuos como los conocemos el día de hoy.

Los estampados que reconocemos actualmente como decoraciones y adornos en ropa, cortinas, alfombras, papel de envoltura y tarjetas para regalos , fueron en su momento símbolos de pertenencia o estatus; elementos que marcaban la identidad de una región o una etnia pero que a través de los años y gracias a el intercambio comercial, las nuevas rutas de navegación, la migración y la mercantilización de la cultura se fueron perdiendo. Julie Chang se apropia de esta integración de imágenes y toma de las más divergentes fuentes los elementos para crear sus obras.

El trabajo de Julie Chang superpone íconos y patrones de una variedad de culturas y personas que conviven hoy en día en San Francisco, lugar donde radica actualmente, por lo que se pueden encontrar en sus piezas anillos circulares en forma de flores de un sari indio, nubes borrascosas inspiradas en el bordado chino, crestas japonesas, diamantes y trenzados que remiten a textiles africanos y cerámica griega, y estrellas y motivos cruzados de azulejos islámicos; ha trabajado formatos que aluden al tapiz europeo y colaborado en el Art Poster Market Street de San Francisco, incluso se le comisionó en el 2013 para diseñar el suelo de terrazo del primer piso del Curtiss Hall, lugar donde se encuentra la escuela de agricultura y el departamento de antropología de la Universidad Estatal de Iowa.

Al mismo tiempo que muestra la multiculturalidad del mundo actual Chang hace una introspección y ofrece una visión propia de los nuevos símbolos de identidad ya que como ella misma menciona "El arte es transformador. Se renueva y cambia el espectador, el oyente, el participante. Revela la verdad acerca de la experiencia humana, que de otro modo podrían pasarse por alto o se oculta. También nos ayuda a imaginar las posibilidades de nuestro futuro y recordar los recuerdos de nuestro pasado".

Para ver mas de su obra pueden ingresar a su pagina oficial: http://juliewchang.com/

Texto publicado por FantásticoCotidiano el 04 de agosto del 2014.

La ciencia de la vida, la obra de Silvia Andrade.

La separación entre las áreas de conocimiento es ampliamente aceptada y promovida por universidades y catedráticos, las ciencias exactas y las humanidades se rechazan una a la otra frecuentemente, sin embargo así no es como funciona la mente humana; un individuo interesado en el arte puede tener la disposición de aprender química orgánica así como un ingeniero o matemático puede disfrutar de una obra pitagórica o musical. Los intereses tan diversos del ser humano han logrado una gran cantidad de logros combinando ambas áreas del conocimiento, por lo que no es de extrañar que cada vez más artistas contemporáneos no se formen en la Academia de Artes sino que llegaran a ella a través de otros ámbitos; tal es el caso de Silvia Andrade.

Proveniente de Yucatan, realiza sus estudios en Ingeniería Química, especializándose en microscopia electrónica de barrido, con lo cual comienza su interés por la fotografía, en el 2004 decide cursar talleres de fotografía y arte a la par que continua su especialización; la interesante combinacion de ambas disciplinas la lleva a publicar una serie de fotografías microscópicas en la revista National Geographic, en las ediciones de Latinoamérica (2011) y España (2012), logra el Premio Nacional de Fotografía Científica CONACYT en el 2009 y el Premio Extraordinario FOTCIENCIA en el 2011, así mismo dentro del arte contemporáneo se ha ganado el reconocimiento de los críticos y especialistas presentando sus obras en importantes bienales como la VII de Berlin, la de Puebla de los Ángeles, Arte FEMSA en Monterrey, Mirada de Tijuana y la de Yucatan.

Su serie "Nada nos detendrá" realizada en el 2009 a partir de imágenes tomadas en Cuba, muestra fotografías compuestas con los objetos comunes que contienen y al mismo tiempo rodean una comunidad, las latas de sardina como alimento ordinario en un pueblo que vive su cotidianeidad bajo la sombra de la libertad prometida; calles y balcones llenos de historia, donde el tiempo se detuvo pero los habitantes siguieron creciendo y envejeciendo; la metáfora se concreta al presentar las piezas en cajas de luz que aparentan ser grandes latas de sardina de 60 x 90 cm, generando coherencia y poesía en toda la pieza; no existe una narración tal cual sin embargo nos hace pensar en el transcurrir del día a día y los lugares donde sucede.

Parte de la obra de Silvia Andrade se presentará hasta el 31 de julio en la colonia Juárez en la calle de Havre número 64, como parte de la exposición colectiva que ofrece ArtRoomTalent en su más resiente edición, en ésta ocasion no sólo podrán ver de cerca tres piezas de esta artista sino que también podrán adquirir alguna de ellas, así como de otros artistas contemporáneos, con precios que van desde los 6,500 pesos hasta los 19,500. Para ver las obras disponibles o ponerse en contacto con ArtRoomTalent pueden ingresar a http://artroomtalent.com/artista/silvia-andrade/

Texto publicado por Gallery Crashes el 25 de julio de 2014.

Luka Fineisen. La fragilidad del instante

Aunque no lo percibamos tal cual, la vida diaria tiene elementos que se desvanecen en instantes, el vapor de una tetera, el hielo en un vaso con agua, los restos de espuma en la bañera o las burbujas de jabón son cosas que están destinadas a desaparecer gracias a las cualidades de su propia materia, ya sea que las moléculas se condensen, evaporen o cristalicen; estas transiciones tienen un punto de inflexión donde lo líquido deja de serlo y se convierte en gas o sólido, es en este justo punto donde dejan de existir como tal, para convertirse en otra cosa, casi como si tuviesen que destruirse a si mismos para poder crear algo más. Éstos cambios y éstas existencias tan fugaces están tan arraigadas en nosotros que ver algo que se desajuste a esta norma puede ser hermoso hasta cierto punto, pero cuando algo sobrepasa lo esperado de su existencia incomoda y desconcierta.

Ese es el propósito de las obras de Luka Fineisen, tomar un momento que debía desaparecer en minutos o instantes y hacerlo duradero, haciendo consciente al espectador de que todo lo que damos por sentado puede desvanecerse sin más de un momento a otro. No es casualidad que una de sus piezas mas difundidas en redes sociales sea la presentada en 2001 por primera vez: “Burbujas”, consiste en un conjunto de seis burbujas realizadas con plástico sorprendentemente realistas, colocadas en el piso de la galería; Fineisen toma un elemento representativo de algunas de las vanitas del siglo XVIII y lo traslada a una escultura contemporánea; las vanitas fueron bodegones que incorporaban elementos que simbolizaban la brevedad de la vida en la Tierra y la vanidad de disfrutar de riquezas en esta vida en lugar de nutrir el alma para gozar del paraíso eterno después de la muerte; un genero muy desarrollado en la España católica de esos días que representó la muerte con un cráneo y la fugacidad de esta vida con burbujas de jabón.

Otras de sus piezas poco conocidas son “Topping” de 2003 donde hace brotar de las chimeneas de una fábrica espuma; o “Menue” del 2005 donde inunda un cuarto de la Academia de Artes de Düsseldorf y hace que diez amigos coman allí alimentos de color blanco usando botas de hule; en otras ocasiones ha usado aspersores para crear una cortina de brisa o humo en galerías y edificios. Luka Fineisen nace en Alemania en 1974 y comienza a estudiar arte en 1996, ha expuesto tanto en Europa como en Estados Unidos y se puede ver más de su obra en su sitio web http://www.lukafineisen.de/ o en el portal de la galería que lo representa, la Hosfelt Gallery http://www.hosfeltgallery.com/index.php?p=artists&a=Luka%20Fineisen

Texto publicado en Fantástico Cotidiano el 22 de julio del 2014

Entre lo gráfico y lo pictórico. Edgar Cano López

La practica de las artes como tal es un trabajo constante y laborioso que requiere una dedicación plena y un profundo sentido de auto critica, es por eso que muchos artistas se avocan a una sola disciplina hasta que logran dominarle y destacar en ella. Pocos se aventuran a realizar dos o más, y menos son los que logran destacar en más de una, sin embargo existen grandiosas excepciones que no solo logran dominar más de una técnica sino que también las engloban en un discurso coherente.

La destreza de Edgar Cano no solo es producto de la constante manipulación de los materiales y las técnicas adquiridas con los años, es una habilidad que se desarrolla con la observación de su medio y un sentido de avance de su propia obra; dentro de su trabajo pictórico se puede ver el detalle de cada forma y la textura de los materiales de los que están compuestos lo objetos; basa su paleta de color en el tipo de luz de cada ambiente que ejemplifica, logrando que el espectador se introduzca en sus escenas y las conciba como reales sin caer en lo hiperrealista o lo fotográfico.

En cuanto a su trabajo gráfico, su facilidad para el dibujo se desarrolló desde sus estudios de licenciatura en la Universidad Veracruzana y ha trabajado la litografía desde el 2007 en la Ceiba Gráfica, logrando en su serie ­Relatos de lo urbano del 2009 un mayor reconocimiento; el uso de la manera negra o "scrash" en litografía, donde primero se oscurece por completo la piedra y se raspa de forma gradual en los lugares donde se desean colocar los blancos o luces, le ha permitido producir escenas que pasan de fragmentos definidos y enfocados a manchas de luz y sombra que insinúan el contexto y complementan el discurso.

Edgar Cano ha obtenido diferentes distinciones tanto en gráfica como en pintura, ha expuesto en Serbia, Canadá, Filadelfia, Nueva York, Londres y Boston, siendo seleccionado en bienales nacionales como son la Rufino Tamayo en 2012, MIRADAS en Tijuana, Alfredo Zalce en 2009, Shinzaburo Takeda MUPO en 2008 y actualmente ganó el premio de adquisición de este año de la bienal Alfredo Zalce; para ver un poco mas de su obra pueden visitar http://lugardeartesgraficasuna.blogspot.mx/ y para comprar algo de su producción del 2008 http://www.tataya.com.mx/artistas/mexico/edgar-cano/

Publicado por Gallery Crashers el 08 de julio del 2014

Yoskay Yamamoto. Elevando el espíritu en Hong Kong.

En el arte contemporáneo las instalaciones se refieren a obras de tipo tridimensional que interactúan directamente con el espacio, donde el espectador que usualmente se mantenía al margen visual de una obra puede interactuar con ella, transitándola o introduciéndose en ella, convirtiendose en un perceptor completo de la visión del artista, sin embargo a finales del 2013 Yamamoto buscó no sólo interactuar corporalmente con su perceptor sino tambien espiritualmente.

'Espero conocerte algún día. . .' es el nombre que lleva la instalación realizada para el Times Square de Hong Kong en septiembre del 2013, dicha pieza está conformada por varias esculturas de diferentes tamaños, que van desde 7.5 centímetros hasta más de 9 metros, todos ellos tallados a mano y con los cuales se puede interactuar.

Las esculturas parecen cabezas sumergidas en el patio de la plaza, doce de éstas varían en tamaño de los 60 centímetros a poco más de dos metros y rodean a otras dos de poco más de 9 metros; todas permiten la interacción con su público sin embargo las que cobran mayor importancia son las dos de mayor altura ya que éstas se encuentran huecas por dentro y en el interior de cada una se encuentra un 'árbol de los deseos', concepto que Yamamoto toma en base a los templos y santuarios japoneses tradicionales, donde se colocan oraciones y buenos deseos para uno mismo y sus seres queridos; cada árbol de los deseos esta constituído por hojas de varios colores en las que los visitantes puedes escribir sus deseos o metas.

Para Yamamoto externar un deseo y fijarlo en un papel ayudara a las personas a lograr sus metas y elevar su espíritu, así que el queria dar a los visitantes ésta oportunidad, por lo que el público jugará un papel primordial en el desarrollo de la obra, mientras más deseos escriban los visitantes a la instalación mayor cantidad de hojas tendrá el árbol y el espíritu de más personas estará inspirado a realizar sus metas.

A parte de esta intalación, en la galería del atrio del lugar se presentaron 25 nuevas piezas en un largo pedestal que juega con la repetición y los patrones.

Yoskay Yamamoto nació y creció en Toba, Japón, hasta los 15 años, edad a la que se muda a Estados Unidos; ilustrador autodidacta, gusta de mezclar los personages icónicos de su hogar americano junto con elementos tradicionales de Japón, resultando en una estética Pop con un fuerte transfondo. Para revisar más de su obra que incluye pinturas y esculturas pueden visitar http://yoskay.com/home.html y si les interesa adquirir alguna de sus piezas la Toy Art Gallery cuenta con una selección de su obra en http://www.toyartgallery.com/artists/info/yoskay-yamamoto/

Texto publicado en Fantástico Cotidiano el 03 de Julio del 2014

Henrique Oliveira. Construyendo la naturaleza.

El ser humano ha encontrado la manera de modificar su entorno para hacer cada vez más cómoda su existencia, se ha agrupado en grandes ciudades y ha generado nuevas necesidades de vida, sin importar si estos cambios afectan o destruyen el mundo natural que nos rodea, sin embargo y sin importar el tipo de objeto artificial que observemos, todo ha sido producido a partir de los elementos y materiales que la misma naturaleza nos brinda; procesados, fundidos o sintetizados los elementos de la naturaleza están presentes en los espacios que habitamos, no podemos escapar de la naturaleza ya que nosotros mismos somos naturaleza y algún día esta naturaleza tomará lo que es suyo, al igual que los ríos retoman su cauce y los animales regresan a formar sus nidos donde por generaciones enteras lo han hecho.

Son estos procesos naturales los que tratamos de refrenar sobre todo en zonas urbanas, donde la naturaleza debe permanecer hasta cierto punto fuera de nuestro entorno, es por esto que las instalaciones de Henrique Oliveira producen un gran impacto ante sus espectadores, la naturaleza exuberante en recintos creados por el hombre siempre creara fascinación.

Henrique Oliveira se apropia de museos y galerías para construir formas orgánicas que fluyen al interior de las construcciones sólidas y planas, simulando el crecimiento natural de los árboles o algunos tubérculos, incluso aparentando el quiebre de paredes y columnas ante la fuerza del crecimiento de estas instalaciones, advirtiéndonos que la naturaleza se desbordara sobre nosotros algún día.

Este artista brasileño utiliza tapumes para la construcción de sus instalaciones, un tipo de madera que se utiliza en vallas temporales en la ciudad de São Paulo, lugar donde él mismo radica, pero también es tomado por personas de escasos recursos para construir sus viviendas en las favelas, con estos contra enchapados arma un marco sujeto con tornillos, que luego cubre con cartón mojado en cola vinílica, cuando este se seca, se colocan encima nuevas capas de madera pintada hasta completar la obra.

Graduado en el 2004 de la Escuela de Comunicaciones y Artes de la Universidad de Sao Paulo, y con Maestría en Artes Visuales en 2007, Oliveira ha expuesto en el Palacio de Tokio en Paris, en el Schirn Kunsthalle de Frankfurt, Alemania y en el Parque da Madureira en Rio de Janeiro por mencionar algunos; realizo diversas pinturas hasta el 2011 sin embargo su obra se destaca en la instalación y la escultura, para ver su biografía completa y más de sus obras pueden ingresar a su pagina oficial

Guardapelo de Abel Zavala.

La belleza puede encontrarse en los objetos más comunes o en los materiales menos imaginados, la interpretación y manipulación de estos puede crear obras de arte y abrir paso al juego de los sentidos, mostrándonos la belleza oculta de aquello que pasaba inadvertido en lo cotidiano.

Recientemente la galería Andrea Pozzo de la Ibero en la ciudad de México presentó una serie de esculturas que invitaban al espectador a realizar este descubrimiento estético; la muestra Guardapelo de Abel Zavala fue compuesta por formas orgánicas y suaves construidas a partir de estructuras textiles bordadas o intervenidas con pelo de perro, gato y caballo, y lana de borrego y alpaca; una extraña combinación que apela a las sensaciones y no solo a la vista, donde la experiencia previa del espectador con animales puede ejercer una profunda influencia en el disfrute o no de la obra.

Las piezas creadas a partir del 2009 dejan ver la delicadeza y habilidad del trabajo artesanal que requirieron, su manufactura es apenas perceptible, creando una estética minimalista resultado del trabajo pulcro y bien cuidado del artista.

Abel Zavala es originario de Xalapa, Veracruz y estudio Artes Plásticas en la Universidad Veracruzana, ha expuesto tanto en México como en el extranjero y obtuvo la beca del FONCA para la realización de esta serie; su obra comprende tanto pintura como cerámica y para ver más de su trabajo pueden entrar a su blog personal http://abelzavala.blogspot.mx/