Objetos de papel, la escultura de Jennifer Collier.

Muchos pensarían que con las nuevas tecnologías el papel está en desuso, la facturación y el pago de cuentas y servicios, trámites y contratos ya se realizan en línea, las fotografías, postales e invitaciones puedes enviarse directamente a un correo electrónico o en el perfil de su red social favorita, sin embargo aún hoy en día existen personas a las que les agrada esa sensación en los dedos de sostener una hoja de papel, un libro o una postal, ya sea por practicidad o melancolía, el uso de papel en invitaciones, revistas, libros, cartas y postales ha logrado sobrevivir y muchas personas guardan aquellos documentos que alguna vez les emocionaron de algún modo en forma de papel; Jennifer Collier sabe bien el poder de esta sensación por lo que se ha dedicado a transformar todos estos papeles en objetos de una belleza singular.

Uno de los principales retos al crear esculturas con papel es la fragilidad del material, más aun cuando se habla de documentos viejos que ya han pasado por diferentes manos y se van desgastando con el tiempo; Collier ha demostrado una gran habilidad para el manejo de este material, cosiéndolos como si de tela se tratase, usa pequeñas puntadas y dobleces entre uno y otro para ir construyendo diferentes objetos, sin embargo estas inusuales telas tienen sus propias historias, narran su propia vida y esta artista usa estas narraciones para encontrar el objeto en el que deben convertirse.

Dentro de su proceso creativo esta la búsqueda de documentos que han sido desechados por algún motivo, después de descubrir alguno de su interés comienza la investigación en torno a su procedencia y su uso, con lo que se inspira para darle una forma que haga referencia a este y por último el tratamiento de papel y su costura; de esta forma ha logrado crear máquinas de escribir, cámaras, ropa, e incluso zapatos.

Su trabajo a sido publicado en más de 50 revistas, incluyendo Vogue, Grand Designs y Elle Decoración; en 2010 abre su propia galería-taller, donde realiza su producción de forma artesanal al mismo tiempo que apoya a jóvenes artistas con residencias; ha presentado cinco colecciones desde 1999 y realizado o ras a comisión para diferentes marcas, para ver mas de su obra visita:

http://www.jennifercollier.co.uk/  

Del bordado realista a la pintura expresionista, la obra de Cayce Zavaglia

Las prácticas artísticas como la pintura y el grabado, utilizan materiales que por su composición, cuando se desechan o lavan, contaminan el agua o la tierra dejando rastros tóxicos. Un ejemplo de ello son los solventes que adelgazan los óleos o las tintas y lavan los pinceles y paletas que los artistas usan. Pensando en esto, Cayce Zavaglia comenzó a realizar bordados desde hace 12 años, como una práctica alterna y más amigable hacia el medio ambiente; plasma retratos de amigos y familiares en paños de pequeño formato y convierte distintos tonos de hilos en las facciones bien definidas de sus seres queridos.

Rostros que encaran al espectador de frente, buscando una relación entre ambos, con una postura amigable y de complicidad; delatan la cercanía entre el modelo y la artista, llevando esta intimidad incluso al espectador, que a primera vista puede creer que se trata de una pintura al óleo y sólo al acercarse a la pieza, puede lograr ver la manufactura de la obra. Zavaglia realiza toda su obra a mano bordando sobre tela de algodón o seda he hilo de lana, logrando mezclar los colores y tonalidades del hilo para asemejarse a las técnicas utilizadas en pintura, imitando incluso las marcas que un pincel dejaría sobre el lienzo, permitiendo la construcción de la obra y confiriéndole volumen, forma y luz, que visualmente se transforman en piel, carne y ropa.

Estudiando sus obras, Zavaglia observa la posibilidad de retomar el reverso de sus bordados como una estética menos meticulosa pero más exuberante y psicológica, retratos que no buscan detallar las facciones, pero muestran las relaciones entre los diversos colores, los nudos y los hilos sueltos que se van formando mientras la obra avanza; un caos que puede ser representado por la pintura, por lo que retorna a ella con una serie que destaca lo que tradicionalmente no se deja ver en el bordado, mostrando dos formas de retrato: nuestro ser presentado al mundo y el caos interior y privado de nuestro ser.

Cayce Zavaglia nace en Valparaíso, Indiana en 1971 y estudia pintura en 1994 en el Wheaton College, en Illinois; y en 1998 en la Universidad de Washington, en Saint Louis. Su obra ha sido publicada en libros y revistas de arte, diseño y decoración, y ha expuesto en diferentes galerías de New York. Para ver más de su obra puedes ingresar a: http://www.caycezavaglia.com/

El coleccionismo latinoamericano en el mercado de arte actual

Cada verano, Art News, la revista de arte más importante a nivel internacional, publica una lista de los 200 nombres más relevantes en el coleccionismo de arte de ese año. Entrar a esta lista significa formar parte de un reducido conjunto internacional de personas que puede influir en las decisiones del mundo de la compra y venta de arte tanto a nivel privado como institucional.

El mecanismo por el cual se determina quién o quiénes conformarán esta lista se lleva a cabo mediante una encuesta a los corresponsales de Art News en 123 países, que incluyen las capitales fundamentales del mundo del arte, aquellos países que mantienen ferias de arte a nivel internacional, además de una selección realizada por una terna de galeristas, críticos de arte, subastadores, directores de museos, comisarios y consultores. La lista cada año incluye y retira nombres de diferentes nacionalidades, pero ¿qué puesto ocupan los coleccionistas latinoamericanos en ella?

Es bien conocido que empresarios e inversionistas mexicanos, brasileños y venezolanos han logrado destacar entre los hombres y mujeres más poderosos del mundo, pero poco se sabe de sus intereses en el mundo del arte. A continuación les presentamos los intereses de doce de los coleccionistas más importantes en América latina.

RICARD AKAGAWA (Sao Paulo)

Sus intereses van desde el arte contemporáneo internacional hasta el mobiliario barroco brasileño del siglo XVIII. Es común verlo en las ferias de arte de todo el mundo y exhibe el 10% de sus adquisiciones en su propia casa.

MARÍA ASUNCIÓN ARAMBURUZABALA (Ciudad De México)

Le atraen el arte moderno y el contemporáneo, pero poco se sabe de su colección de arte ya que no está disponible para exhibición.

PATRICIA PHELPS DE CISNEROS Y GUSTAVO A. CISNEROS

(Caracas, Venezuela - República Dominicana - Nueva York)

Suelen adquirir objetos diversos, como obras de artistas viajeros del siglo XIX en América Latina, objetos etnográficos amazónicos, arte colonial y otros objetos latinoamericanos; pero de igual forma poseen arte latinoamericano moderno y contemporáneo. La pareja se ha dedicado al arte del siglo XX de la región, mostrando y elevando su estatus global junto con trabajos europeos de la época, y se ha involucrado activamente en la publicación digital.

ISABEL Y AGUSTÍN COPPEL (Ciudad De México)

Este matrimonio mexicano han montado una de las más notables colecciones de arte contemporáneo de México, que incluye obras de artistas locales como Francis Alÿs, Melanie Smith, Gabriel Orozco, Abraham Cruzvillegas, y Damián Ortega, así como piezas de artistas globales tales como Gordon Matta-Clark, Lygia Clark, Ed Ruscha, Hélio Oiticica, Tatiana Trouvé, Rivane Neuenschwander, y Terence Koh.

TIQUI ATENCIO DEMIRDJIAN (Londres-Venezuela)

Su gusto por el Arte latinoamericano, moderno y contemporáneo lo llevó a comprar sus primeras obras a la edad de 18 años: un Valerio Adami que amaba por sus fuertes colores y composición, y una pintura de Emilio Boggio. En su boda un año antes, el padre de Demirdjian le había obsequiado una pintura del artista francés Bernard Buffet, inspirando una pasión de por vida para el coleccionismo de arte. Demirdjian es miembro de la junta directiva de la Compañía Mustique, y preside las comisiones de adquisición para el Museo Guggenheim y la Tate Modern.

EUGENIO LÓPEZ ALONSO (Los Ángeles-Ciudad de México)

Es conocido por su colección de arte contemporáneo. Su fundación suscribe exposiciones de arte contemporáneo en México, cursos de artes latinas en las universidades de Estados Unidos. Su  colección incluye obras de Doug Aitken, Olafur Eliasson, y Gabriel Orozco, y se pueden ver en la Colección Jumex, que se abrió al público en 2001, en la Ciudad de México. López también tiene experiencia práctica como galerista comercial. En 1993, con un compañero, abrió Chac Mool Gallery en West Hollywood y la dirigió hasta 2006, cuando se convirtió en miembro de la junta en el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles.

BERNARDO PAZ (Brumadinho, Brasil)

Su complejo de arte constará de 5,000 acres en el sudeste de Brasil, se compone de 21 pabellones y cientos de instalaciones. Inhotim es el nombre del complejo que asegura está construyendo “para las personas que nunca han tenido acceso al arte y la cultura, como una forma de abrir sus mentes”, ya que ese es el futuro para él. Proporcionando puestos de trabajo para muchos de los habitantes del pueblo cercano, cuatro expertos en arte a tiempo completo ayudan a la adquisición de nuevas obras de arte para el complejo, y los planes están en marcha para añadir hoteles, un anfiteatro de 15,000 asientos, e incluso los lofts para aquellos que desean vivir en el paraíso de Paz.

ANDREA Y JOSÉ OLYMPIO PEREIRA (São Paulo)

Arte brasileño moderno y contemporáneo. Esta pareja tiene una de las colecciones privadas más importantes del arte contemporáneo de Brasil en el mundo, entre ellos, nombres tan notables como Irán do Espírito Santo, Rosângela Rennó, Jac Leirner, Beatriz Milhazes, Vik Muniz, Ernesto Neto, y Adriana Varejao. Viven en São Paulo, donde su casa y un apartamento adicional en el centro de la ciudad se han convertido en una galería privada y espacio de exposición. José fue, desde 1997 hasta 2004, director y vicepresidente de la São Paulo Museo de Arte Moderno.

BETTY E ISAAC RUDMAN (República Dominicana)

Su colección se compone de arte latinoamericano, monedas raras, y arte precolombino. Son dueños de pinturas de Vicente Escobar, Amelia Peláez, y Wilfredo Lam, así como muchos otros artistas latinoamericanos célebres.

JOSEPH SAFRA (Ginebra, Nueva York, São Paulo)

Su colección incluye viejos maestros e impresionismo, es conocido por su discreción.

CARLOS SLIM HELÚ (Ciudad De México)

Su interés en el arte moderno, especialmente Rodin, viejos maestros y el arte mexicano colonial y precolombino le ha valido la compra de 66,000 piezas. Ha construido su propio museo abierto al público de forma gratuita: el Museo Soumaya, una estructura masiva de 81,000 pies cuadrados con seis pisos que alberga todo; desde la mayor colección de esculturas de Rodin en manos privadas hasta la mayor colección de monedas prehispánicas y coloniales en el mundo. Cézanne, Renoir, Van Gogh, Matisse, da Vinci, Rivera, y un sinnúmero de otros maestros del arte europeo y mexicano constituyen 700’000,000 de dólares en la colección de Slim, que también incluye un vasto archivo de cartas y documentos históricos de valor incalculable. Posee una copia en bronce de la Piedad de Miguel Ángel, los escritos de Cristóbal Colón y Cortés, y una colección de 2,000 cucharas.

SUSANA Y RICARDO STEINBRUCH (São Paulo)

Son parte de un grupo relativamente nuevo de los coleccionistas de América Latina que han tomado su lugar en la escena internacional del arte en los últimos 10 a 15 años. La influencia de la pareja ha sido tan amplia que en 2010 fueron reconocidos por la exposición "Tasters’ Choice” de la Stephen Friedman Gallery, como uno de los seis "creadores de tendencias". Comenzaron su colección con obras de figuras avant-garde clave de Brasil de la década de 1950, como Lygia Clark, Mira Schendel, y Hélio Oiticica. En los últimos años se han diversificado, adquiriendo obras de artistas latinoamericanos contemporáneos como Gabriel Orozco y Damián Ortega.

Publicado once veces al año, ARTnews informa de las últimas tendencias del Arte, las personalidades, los problemas y acontecimientos que dan forma al mundo del arte internacional. Para conocer la lista completa de los 200 personajes más importantes en el coleccionismo de Arte de este año visita  http://www.artnews.com/top200year/2015/ 

La vida en miniatura de Tanaka Tatsuya.

La imaginación es un recurso que todo niño desarrolla con los objetos más cotidianos y menos pensados, y la fascinación por las cosas pequeñas y su similitud con los objetos usados por los mayores hacen a los más pequeños pensar en un mundo donde los brócolis de la merienda son árboles de un enorme bosque. Tanaka Tatsuya es un artista Japonés que nunca perdió esta fascinación, y la comparte con nosotros a través de su “Calendario miniatura”, una serie de fotografías diarias donde pequeños personajes realizan actividades de la vida diaria enmarcados por objetos de tamaño real.

Tatsuya comenzó su proyecto en 2011, utilizando desde objetos comunes de oficina hasta utensilios de cocina, ropa e incluso comida; creaba pequeños escenarios donde introducía personas o animales de un tamaño mucho menor, creando la ilusión de un mundo pequeño. Al principio sus fotografías resultaban poco nítidas y sus personajes desproporcionados, pero cinco años después, este artista Japonés ha alcanzado una buena técnica fotográfica y una mejor relación entre las proporciones de sus personajes y los escenarios creados, logrando un estilo propio con imágenes nítidas y realmente interesantes.

Para Tatsuya la realización del proyecto era muy natural, ya que como él mismo lo explica: "todo el mundo debe haber tenido pensamientos similares al menos una vez, el brócoli y el perejil a veces pueden parecer un bosque, y las hojas de los árboles que flotan en la superficie del agua a veces pueden parecer pequeños barcos.” Él solo espera que al ver sus fotografías, las personas puedan agregar un poco de diversión a sus vidas diarias. Así que para ver más de su “Calendario miniatura” entren a http://miniature-calendar.com/

MK Kabrito. Alan Altamirano y la gráfica actual.

El grabado es una técnica artística que permite obtener de una matriz una producción en serie relativamente grande dependiendo del material en el que se realice; de ella se desprenden principalmente la xilografía (grabado en madera), la litografía (piedra) y la calcografía (en metal). Cada una de estas técnicas constituye el uso de diferentes materiales que dan una estética particular a la obra final, desde la corrosión del metal por medio de ácidos, hasta las marcas propias de la madera en la que se trabaja; son elementos que dejan su impresión en el papel sobre el que se imprime el grabado. Alan Altamirano ha explorado todas estas técnicas y logrado consolidar su línea de trabajo bajo el seudónimo de MK Kabrito.

A lo largo de su exploración, MK Kabrito ha encontrado en la xilografía el material perfecto para representar mujeres y animales en formas que se entremezclan a través de líneas creando volúmenes sinuosos por medio de redes densas o livianas; flores, fauna y naturaleza surgen entre el cuerpo y el cabello de sus musas, mostrándonos un universo de complicidad entre la modelo y el artista. Al mismo tiempo propone una nueva técnica donde el MDF sustituye a la madera y el linóleo, lo cual a él se le facilita por ser una superficie más blanda que la madera, aunque sin esa textura característica. 

Alan Altamirano López inició a los 18 años la licenciatura en la escuela de Bellas Artes de la UABJO, en la ciudad de Oaxaca, realizó una residencia en la Ceiba Gráfica en Veracruz, además de completar otros talleres en el Centro de las Artes de San Agustín también en Oaxaca. Actualmente produce su obra en el Taller La Chicharra. Para conocer más de su trabajo o adquirir alguna de sus piezas pueden ingresar a la galería Uno61 Casa de Arte. 

Micropaisajismos de Margarita Georgina

El paisaje como género pictórico implica la existencia de una extensión de terreno que puede o no incluir características geográficas, ríos, mares, asentamientos urbanos, fenómenos atmosféricos, escenas internas u otros; sin embargo sin importar las características de lo representado siempre se encuentra implícita la presencia de quien lo contempla, desde un punto fijo en el espacio y el tiempo, con una visión subjetiva de lo que se observa. Los pintores han reinterpretado el paisaje a través de la historia, en esta ocasión les presentamos el trabajo de Margarita Georgina, pintora que busca un registro fuera de lo fotográfico de los lugares visitados y recorridos.

Margarita retoma las telas estampadas para decoración y las reinterpreta como el paisaje convencional que la industria impone con el fin de comercializar una forma de consumo, y las explora e interviene. Jugando con sus formas y colores muestra una forma diferente de recorrerlas visualmente, a través de diferentes materiales crea nuevas manchas, líneas y matices que recuerdan vistas aéreas o mapas físicos, donde se abren las posibilidades de nuevos recorridos simbólicos llenos de materia y nuevas texturas.

Esta cartografía imaginaria es producto de un proceso creativo donde la memoria interviene en cada paso, replanteando si los registros físicos de los lugares son necesarios para contar con la certeza de un recuerdo emotivo, permitiendo así una mayor libertad en sus trazos, creando formas expresivas e interesantes que no se rigen solo por las formas de la naturaleza sino también por la emoción creativa y la libertad de su imaginario.  

Colombiana de nacimiento, es ​Maestra en Artes Visuales por la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM; artista multidisciplinaria, trabaja dibujo y pintura así como collage en libros de artista, donde experimenta con materiales y texturas. Margarita Georgina es fundadora y profesora de Artetallerismo (http://artetallerismo.com), espacio de iniciación artística, donde se imparten talleres de estimulación a la creatividad  y el desarrollo artístico para niños a partir de los 3 años. Para conocer más de la obra de esta artista visita: http://margaritageorgina.wix.com/artesvisuales